ALICE BAG: El Unico Fracaso Es No Haberlo Intentado

(entrevista publicada en la revista RUTA 66 en DICIEMBRE de 2008)

Amigos íntimos, tan parecidos y diferentes a la vez, Darby Crash y Alice Bag fueron dos de los pilares de la primera generación Punk de Los Angeles. Los dos regurgitaban la frustración de una infancia dura marcada por familias, digamos, poco estándar; pero mientras uno seguía la senda del caos que le llevaría a dejar este mundo con veintidós añitos, la otra catalizaba todas sus malas experiencias a base de rabia y violencia, hasta convertir a su banda, The Bags, en una referencia para el movimiento Hardcore que brotaría años más tarde. Como todos sabemos, Crash cometería un esperpéntico suicidio que podría haberle convertido en un nuevo Sid Vicious de no ser porque al día siguiente John Lennon era asesinado y acaparaba todas las noticias, dejando a Darby en un tercer plano, convertido en simple mártir underground. Alice posiblemente no vaya a lograr nunca el status mediático de su amigo, pero la importancia e influencia de su banda y de ella misma es vital para entender parte de aquella escena y del papel que jugarían las mujeres en el punk-rock a partir de entonces.
Con un solo single (pero qué single amigos, sólo Survive sirve por discografías enteras), algunas canciones en recopilatorios y unos directos de rabia no contenida (chequeen ustedes esa caja de sastre que es youtube), The Bags se convirtieron en una leyenda del punk angelino y de sus filas saldrían personajes de la importancia de Patricia Morrison (Gun Club, Sisters Of Mercy, The Damned), Terry Graham (Gun Club) ó Rob Ritter (Gun Club, 45 Grave).
Me pongo en contacto con Alice para charlar no sólo de sus proyectos a lo largo de estos años, sino de una ápoca y una actitud.

Creo que sufriste la violencia muy cerca cuando eras niña, tanto a nivel familiar como en tu entorno más próximo. ¿Cómo influyó eso en tu desarrollo como persona?

De niña me sentía incapaz de controlar toda la violencia que me rodeaba. Me sentía impotente y esas experiencias hicieron que a medida que crecía iba incrementándose mi retraimiento, hasta que me convertí en una adolescente. Era una adolescente en una banda punk, así que el sentimiento de desamparo se fue convirtiendo en furia. El punk me dio la voz para expresar y dar rienda suelta a la confusión que mi infancia violenta había creado en mí.

Ser miembro de una familia de habla hispana supongo que tampoco ayudaría a integrarte en una sociedad como la americana.

Cuando comencé en la escuela, sólo hablaba español. Era un gran problema para mí ya que las clases eran en inglés, normalmente impartidas por profesores angloparlantes. En los Estados Unidos, si no hablas inglés, la gente llega a interpretarlo como una falta de inteligencia. Ignoran el hecho de que el español se hablaba en América mucho antes que el inglés y que el sudoeste de los Estados Unidos perteneció a España y México antes de formar parte de su país. Supongo que en la mayoría de los países, a las clases dominantes les gusta reescribir la Historia y omitir los roles de los indígenas o de la gente que estuvo allí antes que ellas.

He leído que con 8 años te dedicabas a doblar series de dibujos animados e incluso a grabar algunas canciones para esas series. ¿Comienza ahí tu vocación como cantante?

Cuando era niña, una compañía cinematográfica que se dedicaba a rodar dibujos animados educativos que pasaban en los colegios, me contrató para poner la voz en uno de esos dibujos. Pero no hacía las partes habladas, sólo aquellas en las que el personaje cantaba.

Se te recuerda por tu violencia cuando estabas sobre un escenario. ¿Era esa tu forma de canalizar todo aquello? ¿De ahí surge la canción Violence Girl?

Mi opinión es que el punk es como el psicoanálisis de la gente pobre. A muchos de nosotros no nos alcanzaba el dinero para pasarnos años yendo a un psicoanalista. El arte, la música o el crimen son sólo algunas de las opciones posibles para aquellos que tenemos que luchar contra los efectos de una infancia podrida.

¿No crees que hoy en día la violencia en la que se amparan varias bandas es una violencia fingida?

No sé en qué han estado metidos otros músicos. Gente de cualquier extracto social puede haberse sentido maltratada por sus padres. Creo que la única forma de saber si una persona está proyectando algo verdaderamente real es estar junto a ella en la misma habitación, o contemplar sus creaciones. Es como una energía que desprenden las personas o sus creaciones. Tienes que estar en contacto con la parte más primitiva de tu cerebro para darte cuenta.

Eras mujer, chicana y de clase baja… Supongo que sería muy duro para ti luchar contra todos los prejuicios existentes entonces. ¿Cómo vivía la comunidad latina de Los Angeles en aquel momento?

Yo crecí en East L.A, donde la mayoría de la población tiene herencia mexicana. Transcurrió bastante tiempo hasta que caí en la cuenta de que la mayor parte de la población de los Estados Unidos no era como yo; así de aislados estábamos. East L.A. es un buen ejemplo de tercer mundo dentro del mundo desarrollado y es únicamente cuando quieres formar parte del mundo desarrollado cuando te das cuenta de que eres un marginado. No caí en la cuenta de que realmente era pobre, o que pertenecía a una comunidad minoritaria, hasta que fui lo suficientemente mayor como para viajar fuera de nuestro pequeño vecindario. Realmente creía que los barrios blancos sólo existían en la televisión.

En 1976 tus padres te enviaron a Europa como premio por tu graduación. ¿Qué diferencias encontraste entre la sociedad americana y la europea de esa época?

Cuando me fui a Europa, lo hice con un grupo escolar. Fue una experiencia turística que se complementaba con un repaso histórico que te ayudaba en tu puntuación escolar. Uno de mis mejores recuerdos fue cuando junto a una amiga nos escapamos del resto de compañeros y nos saltamos la hora de recogida para irnos a bailar con dos de los camareros del hotel. Salimos a beber, algo que estaba prohibido en los Estados Unidos a nuestra edad, 17 años, y no regresamos hasta por la mañana. No pegamos ojo en toda la noche y nunca nos descubrieron.

Los Angeles era conocida mundialmente en esa época por las groupies, la Rodney’s English Disco, las fiestas de las estrellas del rock&roll… ¿qué recuerdas de aquello?

Aunque estuve en Rodney’s algunas veces, fue ya al final de toda aquella escena y cuando su popularidad estaba ya en decadencia. Conocí alguna gente realmente interesante allí, pero a ninguna estrella del rock.

¿Encontraste en el Punk la vía de liberación que estabas buscando?

Si, definitivamente.

Creo que antes de todo el movimiento Punk estabas muy influenciada por el Glam: Bowie, Elton John, T Rex… muchas bandas se pasaron del Glam al Punk, ¿qué veíais en el punk rock que no había existido hasta entonces?

Yo encontré un lugar para las mujeres. El Punk Rock –al contrario que el Glam- no dependía del virtuosismo musical. Estaba más relacionado con la creatividad, el romper con el status quo, la originalidad. Se había creado una atmósfera de apertura que no existía anteriormente. En cualquier momento se le daba la bienvenida a recién llegados a un lugar en el que no habían estado nunca antes; la experiencia y la pericia no eran el criterio a seguir para su inclusión en el grupo. Para muchas mujeres que nunca se habían sentido bien recibidas en el mundo del rock más que en el rol de fans o groupies, todo aquello era como una invitación a entrar. Chicos y chicas que nunca habían tocado un instrumento o que simplemente tenían unas nociones básicas, de repente se animaban a formar bandas.

¿Crees que el Glam tuvo una influencia clara en el Punk de Los Angeles, en cuanto a sonido y estética?

No, no creo que el Glam tuviese una gran influencia musical en el Punk de Los Angeles. Creo que sí existía una influencia en la moda del Punk angelino. Especialmente las chicas que formaban parte del Punk, podían rasgar sus medias y hacerse chicas duras y glam al mismo tiempo.

¿Cómo comenzó a fraguarse la escena Punk de Los Angeles? ¿Cuál fue la importancia de las mujeres en todo aquello?

Las mujeres fueron muy importantes a la hora de definir la escena Punk en sus primeros días. Estaban presentes en todas las áreas de la escena. Se convirtieron en miembros de las bandas, en programadoras de algunos clubs, en managers, artistas visuales, roadies, fotógrafas, periodistas y muchas otras cosas. No había ningún sector de aquella escena en el cual las mujeres no tuviesen una presencia relevante.

¿Era una escena violenta?

La escena Punk de los primeros días no era violenta en su mayor parte. De hecho existía un verdadero sentido de la comunidad entre los miembros de la escena. Había un apoyo mutuo. Lo único que no tolerábamos era la mediocridad.

Junto a Margot Reyes formaste tu primera banda, todavía influenciadas por el Glam y el Glitter Rock. ¿Cómo fue aquello?

Cuando terminé el Instituto, formé una banda llamada Femme Fatale con Margo Reyes y Patricia Rainone (más tarde conocida como Patricia Morrison: Bags, Gun Club, Sisters Of Mercy, Damned… ndr). Después de unos meses ensayando en nuestras salas de estar, sufrimos algunos cambios. En esa época queríamos cambiar el nombre de la banda por el de Mascara. El hermano mayor de nuestra batería se ofreció como manager y nos propuso cambiar el nombre por el de Masque Era. Eso fue meses antes de que el primer Masque abriese sus puertas en Hollywood y se convirtiese en el epicentro del Punk Rock de Los Angeles. Fue una extraña coincidencia.

Creo que hay una gran diferencia entre los primeros años del Punk, cuando la base de todo era el individualismo y la personalidad de cada uno y unos años más tarde cuando el Punk se volvió contra sus propios ideales y se convirtió en todo aquello contra lo que se había luchado en un principio. ¿A qué crees que se debió este cambio?

Cuando toda esa escena comenzó, la formaba una comunidad reducida y muy unida. Todos habíamos escapado de alguna parte de Los Angeles: de los barrios, del ghetto, incluso de los vecindarios de clase media y alta de donde por una u otra razón ninguno de nosotros encajaba. Entre nosotros nos apoyábamos y nos inspirábamos mutuamente, pero lo más importante de todo esto era que todos respetábamos nuestra individualidad. A medida que la escena fue creciendo y absorbiendo a más y más gente, también fue absorbiendo a gente del mainstream americano que tenían implícitos valores del mainstream americano. Siempre he creído que una de las cosas que hizo de la escena de Hollywood algo único fue su diversidad. Si ya América piensa por sí misma como una macedonia de diferentes puntos de vista , Los Angeles es definitivamente un microcosmos de esa macedonia. Pero si te desvías a los suburbios y a las ciudades pequeñas, pierdes esa apreciación cosmopolita y te encuentras con una mayor homogeneidad y unos valores tradicionales más patriarcales. Ahí está el error por el cual la escena punk de Los Angeles terminó dominada por los hombres y las clases medias, pero en sus comienzos, el germen de la escena de Hollywood fue tan diferente a lo que vino luego como puede serlo un joven de sus padres. Alguno de sus rasgos pudieron ser heredados, pero de ninguna forma fueron la misma criatura.

Creo que llegaste a probar para Venus & The Razorblades, la nueva banda que Kim Fowley intentaba formar tras la espantada de las Runaways. ¿Cómo fue aquella experiencia?

Conocí a Rodney (Rodney Bingnheimer, ndr) en un concierto en Hollywood. Estaba comiendo patatas fritas y me ofreció. Nunca nadie me había ofrecido comida, así que comenzamos a charlar. Yo había formado una banda de chicas por entonces, nos llamábamos Femme Fatale. Mis acompañeras de banda estaban allí conmigo y me provocaron para que le hablase a Rodney sobre nuestra banda. Lo hice y le sonó interesante. Le dimos nuestros números de teléfono y unos días después Kim Fowley nos llamó y nos invitó a una audición para formar parte de Venus & The Razorblades. Cuando llegamos al estudio donde iban a tener lugar las audiciones, había un montón de chicas y no fuimos elegidas. Recuerdo haber conocido a Danielle Faye en ese momento, una gran bajista que fue elegida por Fowley. De todas formas esa audición fue buena para nosotras ya que no teníamos batería en ese momento y encontramos una allí.

Has comentado que una actuación de los Weirdos que viste junto a Patricia fue lo que realmente os convenció para formar una banda de verdad.

Si, ese fue un concierto muy importante para mí. Ví a los Germs, que era la banda telonera, a los Zeros y a los Weirdos. Cada una de esas tres bandas fue importante para mí de forma diferente. Conocí a los Germs fuera del local antes del concierto. Tenían una bolsa de supermercado llena de comida; en ese momento creí que debían estar muertos de hambre, pero luego me dí cuenta que iban a usarlo como atrezzo en el concierto. Los Germs eran maravillosamente terribles. Eran musicalmente limitados, pero no podías apartar tus ojos de ellos. Creo que sobre todo, me hicieron comprender que no había por qué ensayar hasta que todo saliese perfecto, simplemente había que salir ahí y hacerlo. Los Zeros eran realmente buenos. Tenían los movimientos perfectos. En los últimos años, Robert Lopez se transformaría en El Vez y fue él quien me enseñó todo lo que hay que saber para dar un buen espectáculo! (se puede ver a Alice como una de las Elvettes en el video En El Barrio, NdA). Los Weirdos eran la cosa más excitante y auténtica que he visto nunca. Su imagen, su música, su espectáculo en directo, era una experiencia completa que me entusiasmó y me convirtió en la fan fiel que todavía soy. En mi opinión, ellos son la mejor de todas las bandas punk de Los Angeles.

En 1977 tuvo lugar el primer concierto de The Bags. ¿Qué recuerdas de aquel día?

(risas) No recuerdo gran cosa. Se podía respirar tanta excitación… Creo que perdí la cabeza… Recuerdo a Bobby Pyn (Darby Crash, cantante de los Germs, NdA) entre el público, tirando de la bolsa que yo llevaba en la cabeza y abrazándome. Había estado intentando convencerme de que no me pusiese la bolsa durante días antes del concierto, pero no le había hecho caso. En esa época éramos grandes amigos y me hacía muy feliz que él estuviese allí en el concierto. Todas las que estaban allí eran caras conocidas, se les veía que se lo estaban pasando en grande. En nuestro primer concierto creo que supimos captar la atención del público. Recuerdo la energía, el caos, los aplausos… pero no lo que hice o dije, ni siquiera cómo sonamos.

¿Cómo surgió la idea de las bolsas en la cabeza, las letras sobre bolsas…?

Patricia solía hacer una broma con algunos de sus amigos. Se ponían bolsas marrones de papel en la cabeza y conducían por la ciudad, gritando a los peatones desde las ventanillas del coche. Eran adolescentes aburridos sin nada que hacer las noches del fin de semana. Ella me contaba la reacción de la gente a la que habían gritado, desde los que sentían miedo hasta los que se reían. Así que me pareció una buena idea. Comenzamos a hablar y decidimos que sería divertido ponernos las bolsas en la cabeza como parte del show de nuestros conciertos. Se nos habían ocurrido algunas ideas para pintarlas o diseñarlas de forma que representasen cada una de nuestras personalidades. Creo que era como la oportunidad perfecta para hacer algo que queríamos hacer y con la protección del anonimato. Si nunca lo has hecho, deberías probarlo algún día que no tengas otra cosa que hacer. Es divertido.

La banda la completan Geza X y Janet Koontz en las guitarras y Joe Nanini en la bateria, junto a Pat al bajo y tú cantando, pero se producen varios cambios hasta que la formación se estabiliza con la entrada de Craig Lee y Terry Graham. ¿Cómo fueron aquellos primeros días?

No tengo ni idea de por qué cambiamos tantas veces de miembros en la banda. Supongo que no encontrábamos la combinación adecuada hasta que tuvimos a Craig, Rob y Terry.

Craig Lee se ocupa de buena parte de la composición. ¿Por qué le dejaste a él ese papel?

Craig Lee ya escribía cuando se unió a la banda. Había escrito cosas para la televisión y era bastante prolífico. No era extraño que Craig llegase a los ensayos con tres o cuatro nuevas canciones bajo el brazo. El resto de la banda trabajaba de una forma más lenta. Cuando comenzó a tocar con nosotros, dejamos que se ocupase de escribir la mayoría de las canciones. Sus canciones eran buenas, esa fue la razón principal por la que Patricia le quiso para la banda en un principio. A mí no me gustaba demasiado cuando llegó, pero comenzó a ganarse mi amor y terminé queriéndole como a un hermano. Yo tenía 17 años por entonces y creo que él ya andaba por los 22. No es una gran diferencia de edad cuando eres mayor, pero cuando eres un chaval incluso algunos meses pueden marcar una gran diferencia.

En esa época se consolidaba la escena Punk inglesa. ¿mantuvisteis algún tipo de relacion con esas bandas?

No al principio. En esa época yo era una gran fan de las bandas de New York. Recuerdo ver a Patti Smith, a los Ramones, Blondie y a los Dead Boys. Vimos a los Damned y más tarde a los Sex Pistols, a los 999 y a mi banda inglesa favorita de aquella época, los Buzzcocks. Bueno… espera, hay un empate entre los Buzzcocks y X-Ray Spex! Pero X-Ray Spex nunca llegaron tan lejos. Qué pena… tenían montones de fans!

Una diferencia palpable entre ambas escenas es que las bandas inglesas procedían por lo general de la clase baja y trabajadora mientras que las bandas americanas lo hacían de las clases medias. ¿Crees que esa diferencia marcó el sonido y la actitud de ambas escenas?

No estoy de acuerdo con esa apreciación. Yo procedo de una familia inmigrante de East L.A. La escena de Hollywood se componía de gente de clase baja, media y alta, además de existir una mezcla étnica que no creo que haya existido en otros lugares del planeta. Si viste en televisión las revueltas por el caso Rodney King, probablemente te habrás dado cuenta de que hay una gran diversidad de razas, etnias, religiones y clases aquí en Los Angeles. Claro, hay una gran tensión motivada por esta gran diversidad, pero (al menos durante unos pocos años) cuando un grupo de artistas fuimos capaces de abarcar esta diversidad, creamos una escena maravillosa, ecléctica y creativa.

Muchas reseñas que he leido de esa época sobre los conciertos de The Bags te presentaban como una persona muy intensa y enérgica. ¿Qué buscabas en tu confrontación con las audiencias?

Nunca me han gustado las audiencias pasivas. Nunca he sentido el Punk como algo que simplemente tuvieses que escuchar. Quería que las audiencias me permitiesen poder arrastrarlas hacia una aventura. Era una experiencia creada en mayor parte por la audiencia que por la propia banda. Para mí, un buen concierto dependía enteramente en ser capaz de conectar con el público.

Creo que llegasteis a ser expulsados de varios clubs por violentos…

Sí, nos expulsaron de muchos clubs y no se nos permitió volver a entrar porque nuestro público se descontrolaba completamente. El dueño de un club llegó a acusarme de intentar comenzar un disturbio y Madame Wong, que era la propietaria de una sala de Punk muy conocida en Chinatown, prohibió las actuaciones de bandas de Punk que tuviesen chicas en su formación después de uno de nuestros conciertos. Lo siento, chicas…Una curiosidad. Formaste parte de Castration Squad junto a Shannon Wilhelm, Dinah Cancer (45 Grave), Troy Lee (Red Cross), Elissa Bello (Go Gos)…

¿Cómo surgió aquello? Lo único que tengo es el corte que aparece en el Killed By Death. ¿Grabásteis algo más?

Shannon era mi compañera de piso en los apartamentos The Canterbury de Hollywod, en los que vivían un montón de punks. Ella fué la verdadera cabeza pensante en Castration Squad. Fué quien se ocupó de reunir a toda la banda. Después de abandonar a The Bags, me preguntó si quería unirme al grupo. En ese momento me había mudado de Hollywood y había vuelto a la Universidad. Decidí hacer un concierto con ellos y tras eso Shannon volvió a llamarme para hacer “solo un concierto más” cada vez que tocaban (risas). Creo que terminé haciendo con ellos todos los conciertos que dieron, sin llegar a ser nunca un miembro oficial.

He leido una entrevista tuya en la que decías que no querías volver a tocar canciones de los Bags en directo.

Debería haber aprendido a no decir nunca jamás… El año pasado recibí un premio en el Silverlake Film Festival. Decidí hacer algunas canciones de los Bags junto con otras de las demás bandas de las que he formado parte en los últimos treinta años. Fue divertido. No tengo nada en contra de las canciones, sólo que no quiero estar anclada en el pasado.

¿Crees que es posible que hoy en día tenga lugar algo tan rompedor y oxigenante como fue el Punk a mediados y finales de los años 70? ¿Crees que alguna banda de la actualidad mantiene aquel espíritu?

Sí, creo que cada generación tiene la responsabilidad de abrir nuevos caminos, de empujarnos hacia nuevos límites. Me gustan mucho The Gossip. Creo que Beth Ditto es una mujer directa, provocativa e inteligente, que sabe hacer que la gente se encuentre incómoda, de la forma correcta. Confío en que hay músicos jóvenes a lo ancho del planeta haciendo música que abra nuevos caminos, quizás también algunos músicos veteranos.

En 1981 decides abandonar todo aquello, coincidiendo con la entrada de la heroína en la escena Punk. ¿Hasta qué punto crees que las drogas ayudaron a acelerar la muerte del Punk?

El Punk no está muerto, simplemente ha cambiado. El Punk es más que un tipo de música, es una actitud que trasciende el tiempo y el espacio. Lo que se terminó fue la escena de Hollywood, tal y como había sido. Creo que las drogas contribuyeron a eso pero no sé si ese tipo de situación donde todo estaba abierto y todo era bienvenido y creativo llevó al fin definitivo. Los cambios son inevitables y necesarios.

Bandas como las Go-Gos salieron del circuito underground y vendieron miles de discos. ¿Por qué crees que otras bandas muy superiores a ellas musicalmente no salieron de aquello?

Las Go-Go’s eran comerciales en el sentido en el que otras bandas no lo eran. No solo eran chicas guapas y jóvenes con estilo, sino que tocaban Pop energético y optimista. No creo que su música fuese inferior a la de ninguna otra banda. Mi opinión es que la música es cuestión de gustos y si el Punk trataba de algo era de eliminar completamente la idea de superioridad musical. Su música era diferente y más comercial, pero las chicas eran honestas consigo mismas.

He visto algún video delirante de Cholita, una de los proyectos en los que te metiste años más tarde. Os declarabais influenciadas por Gloria Trevi… ¿Qué buscabas con ese nuevo proyecto?

No estaba buscando nada: nunca busco a la música, parece que ella me busca a mí. Estaba en una fiesta cuando un amigo me invitó a ir a verle actuar con una banda llamada The Afro Sisters. Me presentó a Vaginal Davis, que inmediatamente me dijo que tenía que subirme al scenario con ellos esa misma noche. Improvisé algo y fué estimulante. Después de eso, Miss Davis me reclutó para The Afro Sisters y luego para Cholita. Cholita era “performance art”, comedia improvisada, comentario social y música, todo en en una gran bola de diversión, en algunos puntos similar a Gloria Trevi. Las Cholitas éramos todas fans de la Trevi.

Te has dedicado últimamente a entrevistar a chicas de la escena Punk. ¿Qué crees que tienen de especial las chicas que formaron parte de aquello a diferencia de los hombres?

Todas nosotras creíamos verdaderamente que podíamos hacer todo lo que los tíos hacían y lo demostramos.

Voy a hacerte una de las preguntas que tú sueles hacer a tus entrevistadas. ¿qué legado ha dejado el punk en tu vida?

No temer al fracaso. Si quiero hacer algo, no dejo que las dudas o la opinión de otra gente me detengan. Incluso si no consigo hacer exactamente lo que estoy intentando, todavía estaré por delante de no haberlo intentado. El único fracaso es no haberlo intentado.

Tienes pagina web y myspace. ¿Cómo crees que habría cambiado la escena Punk de los 70 y 80 de haber existido todo esto?

Habría sido fantástico. Creo que habría habido una revolución creativa global. ¿Puedes imaginar la riqueza y diversidad que habría permitido Internet? Podríamos haber tenido colaboraciones de todo el mundo ! Yo encuentro a algunas de mis bandas favoritas en internet, Raramente escucho la radio. ¿Por qué voy a seguir la radio o a los sellos cuando algunos de los trabajos más creativos se están haciendo en la red y de forma independiente?

¿A qué te dedicas hoy en día?

Estoy recuperando mi actitud punk y escribiendo una autobiografía. No soy escritora pero es una buena terapia. Me gustaría convertirla en un comic … ¿Algún dibujante de comics por ahí??

Todas las fotos cedidas por ALICE BAG y pertenecientes a su archivo personal:

Foto 1. Haciendo de Elvette para el videoclip de “En El Barrio” de El Vez.
Foto 2. Castration Squad, 1981: Tracy Lea, Alice Bag, Tiffany Kennedy, Dinah Cancer, Shannon Wilhelm, Elissa Bello
Foto 3. The Bags en directo en San Francisco. Foto: Ruby Ray
Foto 4. The Bags, 1977
Foto 5. Alice Bag
Foto 6. Alice Bag en la actualidad

Videos relacionados:

The Bags (1978): http://www.youtube.com/watch?v=3WeZJ9ybAI8

The Bags (1979): http://www.youtube.com/watch?v=sJ89-UAS3pA

Castration Squad (1980): http://www.youtube.com/watch?v=KpycendTyJo&feature=related

El Vez (En El Barrio): http://www.youtube.com/watch?v=l0_tGKvxd9I

Vexing (2008): http://www.youtube.com/watch?v=OQyRyNQT-hg

JON WAHL: Loco Y Extraño.

(Entrevista publicada en el webzine EL BEASTO en Octubre de 2004)

Estuviste en una banda llamada Electric Tombstones. ¿Qué puedes contarme de aquello?

Hmmm... tendré que echar la vista atrás... Los Electric Tombstones eran un trío crudo y emocionante al que me uní en 1982. Realmente aprendí mucho de ellos. Aprendí a tocar la guitarra durante la revolución Punk de finales de los setenta, así que tocaba de forma bastante simple y rabiosa, hasta que me uní a ellos. Si las versiones que hacíamos pueden ayudar a comprender nuestro estilo y sonido, puedo decirte que hacíamos versiones de Modern Lovers, John Cale y Joy Division (bueno, en realidad hacían versiones de Joy Division antes de mi entrada en la banda). Después de dos años grabamos un álbum en una grabadora Ampex de tres pistas, pero la banda se disolvió antes de su publicación. Existe un single con temas de aquella grabación. Antes de eso estuve en una banda Punk durante el Instituto llamada The Idle Rich, en el 79/80, una banda influenciada por la rapidez, crudeza y poder de Black Flag y Middle Class. En esa época no me sentía a gusto tocando la guitarra hasta que la sangre de mis dedos empapaba la guitarra. Después de los Electric Tombstones, aprendí a ser más sutil con las cuerdas y a derramar menos sangre.

Según tengo entendido, tu profesor con la guitarra fué Mike Palm (Agent Orange).

Mike Palm era, en la época en la que estábamos en el Instituto, lo más parecido a un ídolo juvenil. Además tenía una banda muy buena llamada Lyte, antes de la revolución Punk. Comenzó a incluir algunas versiones Punk en el repertorio antes de comenzar a escribirlas él mismo. Su primera canción fué Bloodstains... Nunca olvidaré estar ahí sentado en su habitación mientras él trabajaba en el solo de guitarra de esa canción, que estaba claramente influenciado por todo el material Surf en el que estaba realmente metido. Se las arregló para fusionar Metal y música Surf realmente bien. Era un buen amigo, el viejo Mike. Insistió en que debería aprender a tocar la guitarra y me aprendió los primeros acordes y canciones: You Drive Me Ape (You Big Gorilla) de los Dickies y I'm So Bored With The USA de los Clash fueron las dos primeras canciones que me aprendí. Todavía me aburren los USA... (risas)...

Tus hermanos están también metidos en el mundo de la música. ¿Cómo y por qué comenzaste a interesarte en el rock&roll?

Mis dos hermanos menores, James y Lex, son dos músicos muy talentosos. Ambos tocan piano clásico. James escribe música para una diócesis de la Iglesia Católica en Arizona. Lex está con The Lexington Devils, mi banda favorita de Los Angeles. Se vuelve completamente loco en escena, es un gran guitarrista, cantante y bajista... y también organista. Mi hermano Brick toca la batería y últimamente está poseido por los ritmos brasileños. La música está en la sangre de la familia, mi madre tocaba piano clásico y mi padre puede decirse que aporreaba el piano y también el trombón, era una persona apasionada y divertida.

Tocaste durante una temporada en los Pontiac Brothers de Ward Dotson. Yo soy un fan aférrimo de su trabajo en Gun Club.

Toqué con los Pontiac Brothers sólo durante nueve meses y grabé uno de sus discos, Doll Hut. Pero en esos nueve meses tocamos en directo constantemente e hicimos una pequeña gira por la Costa Oeste con los Replacements. Eso fué en verano del 85. Ese corto período de nueve meses (y por supuesto su trabajo con Gun Club) fué muy importante e influyente en los primeros Clawhammer.

¿Cómo era trabajar con él? Yo le conocí personalmente hace poco y me pareció un tipo singular... ¿Llegaste a conocer a Jeffrey Lee Pierce?

Yo era muy amigo de su batería, Dave Valdez, que había sido el bajista de los primeros Electric Tombstones y sería más tarde el primer bajista de Clawhammer. Ward... bien, siempre le he respetado, me llevo bien con él, pero no le incluiría en el club de amigos que eran los Pontiac Brothers.Yo probablemente era demasiado "arty", quizás demasiado cretino. No sé... Nunca conocí a Jeffrey y Ward nunca me lo habría presentado ya que Jeffrey y él tenían algunos asuntos éticos pendientes. Conocí a Jeffrey antes de su muerte en una sesión de fotos aquí en Los Angeles. Su madre lo llevaba de aquí para allá...

Creo que fué tu hermano Brick, del que hablábamos antes, el que te convenció para formar Clawhammer.

Yo abandoné la música después de los Pontiac Brothers y me centré en la escultura y el trabajo con bronce. Una noche en la primavera de 1986 mi hermano me llamó para decirme que teníamos que reunir a un grupo de músicos para grabar algunas de mis canciones de cara a un recopilatorio que estaba preparando y que iba a titularse Gimme The Keys: Seven Drivin' Bands From L.A. (Una gran recopilación. Puedes ir a http://www.trigonrecords.com/ y comprarla. La banda de mi hermano, The Lexington Devils, tienen una canción que te volará la cabeza. Y Brick toca la batería con una banda completamente loca llamada Fearless Leader. Las primeras canciones de Clawhammer están ahí). A lo que vamos, me busqué un batería, un bajista y un pianista para esa sesión y me encontré con Chris Bagarozzi en el proceso. Ahí fué cuando decidimos hacer ese dúo de guitarras.

Por cierto, ¿Conoces a una banda australiana llamada Brother Brick, como vuestra canción?

Si, sé de su existencia pero nunca he oido su música. En esa época en Australia había también una banda llamada Succotash. Nunca supe si se habían puesto el nombre por una de nuestras canciones o simplemente por el plato sureño.

Clawhammer comenzásteis cuando Sub Pop y el Grunge eran la música de la nueva generación, pero no creo que eso os ayudase mucho a vosotros, ¿no?

Con toda la historia del Grunge y Sub Pop, comenzó una nueva revolución con grandes actuaciones en directo y un público muy loco en los conciertos. Nosotros definitivamente nos aprovechamos de esas dos circunstancias. Creo que nuestra música era demasiado arty o non-groovy como para pegar en Sub Pop... pero giramos dos veces con Mudhoney... y tocamos constantemente con bandas grunge aquí en Los Angeles. Buenos tiempos, maldita sea.

La música de Clawhammer era una combinación de Captain Beefheart, Television y... Black Flag! ¿Te parece buena esta definición que me he sacado de la manga?

Black Flag! Gracias. Nunca me lo habían dicho. Cuando Chris y yo nos conocimos y planeamos nuestras posibilidades musicales, los dos queriamos ser como Wayne Kramer, así que tendríamos que incluir a los maravillosos MC5 en ese paquete. Y por supuesto, quizás una de las bandas más influyentes fueron The Hampton Grease Band, una banda de principios de los setenta procedente de Georgia. Se les conoce como la banda que menos discos ha vendido en toda la historia de Atlantic Records. Es algo de lo que poder estar orgullosos. Clawhammer grabamos su canción Hey Old Lady And Bert's Song en nuestro primer disco. Tienes que echar un vistazo a esa banda, hay por ahí un doble cd con improvisaciones largas,espaciales, freakies... Un disco realmente somnoliento (risas).

Otra definición que he leido en varias ocasiones es la de Hard-Blues. Creo que también es una buena definición para vuestra música.

Hard Blues... hmmm... Supongo que puede ser válido. Realmente he intentado exprimir con fuerza en mis canciones esos elementos del Blues, pero con arreglos más elaborados y poderosos. Me pregunto si llegó a funcionar...

Grababais para Sympathy For The Records Industry. ¿Cómo contactásteis con Long Gone John?

Publicamos nuestros primeros tres discos y algunos singles y Ep's en SFTRI. Long Gone John es de Long Beach, de donde somos nosotros. Era algo que podría ocurrir y él era muy cool y bastante generoso. Yo terminé haciendo fotocomposiciones para él a principios de los noventa (yo solía hacer fotocomposición en un periódico en la misma calle). Me pagaba en cerveza y burritos.

La mayoría de las letras de vuestras canciones eran oscuras e impactantes. ¿Qué te inspiraba?

Wow. Bien, déjame ver... quizás demasiados amigos cercanos jugueteando a fondo con la heroína y la cocaína. Algunos de ellos muriéndose, si no físicamente, sí espiritualmente. La muerte de mi padre. Problemas con las chicas. Problemas con el coche. Las facturas amontonándose en el buzón. ¿Qué más? Siempre intenté salpimentar todo eso con un poco de humor aquí y allí... También algún juego de palabras ocasional, para mantener un poco un balance en todo ello, supongo.

¿Qué me cuentas de los diseños de vuestras portadas? Eran bastante extrañas y veo que con los Amadams sigues la misma tónica. ¿Crees que es importante llamar la atención de la gente desde la misma portada hasta la música en sí?

Creo que el diseño de la portada debe representar la atmósfera de la música, sí, definitivamente. Si la portada es muy llamativa, la música debería serlo también. Y supongo que ayuda si el compositor principal es también quien se ocupa del diseño del disco.

Grabásteis versiones de Devo y Pere Ubu, dos bandas afines al concepto de Clawhammer, aunque diferentes en cuanto a sonido. ¿Por qué decidísteis versionear enterito el disco de Devo? (Q: Are We Not Men? A: We Are NOT Devo!)

Es una historia divertida. Después de escuchar lo que habían hecho Pussy Galore con el Exile On Main Street, decidimos grabar el disco de Devo como una broma. La broma fué creciendo hasta convertirse en nuestra mayor broma, en todas partes donde tocábamos lo que la gente quería escuchar era lo de Devo. Una noche le dimos la vuelta a la tortilla. Abrimos el concierto con los primeros acordes de Uncontrollable Urge y tras eso nos hicimos todo un set de versiones de Steve Miller. La gente casi nos mata, pero estuvo muy bien... por supuesto, no me refiero a las canciones de Steve Miller (risas). Fué duro aprenderse todas esas canciones con esos riffs empalagosos y esa rudimentaria simplicidad. Puagh! Todavía me lavo las manos a menudo para borrar aquella experiencia de mis dedos. (risas)

Como dices, Pussy Galore lo hicieron con los Stones. Creo que compartíais una misma actitud con la banda de Jon Spencer. ¿Te gustaba esa banda?

Me gustaban mucho Pussy Galore. Especialmente Historia De La Musica Rock. Una gran influencia en mi forma de tocar tendría que ser Neil Hagerty. Es un guitarrista loco. Siempre impredecible. La última vez que le ví fué aquí en Los Angeles, girando con un buen amigo mío, Dan Brown. Estaba tocando esas canciones de gospel loco y dejando alucinados a todos sus fans. Hay que admirar a un músico alienado de esa forma por el mero hecho de expresarse. Una mente verdaderamente creativa necesita expandirse, algunas veces funciona y otras no... Volviendo al tema, sí, me gustan Pussy Galore. Estoy orgulloso de poder decir que toqué el saxo en un single de la Jon Spencer Blues Explosion (¿o eran dos?)... pero nunca lo he visto ni escuchado.

Escuchando vuestros discos, uno puede intuir unos directos cargados de energía.¿Cómo era un concierto de Clawhammer, para aquellos que no hemos podido disfrutarlo?

Me he quedado con un nervio de mi pierna derecha dañado crónicamente debido a mis saltos de rodillas sobre el escenario. Éramos muy enérgicos. Los directos siempre acababan convirtiéndose en una buna experiencia aeróbica.

Hablábamos antes de MC5. ¿Has visto el documental A True Testimonial?

Amo y aprecio a MC5. Todavía no he visto esa película. Tuvimos la fortuna de tocar Kick Out The Jams con Wayne Kramer en algunos conciertos. Una noche en el diminuto Al's Bar en el downtown de Los Angeles se nos unió en el escenario, le dí mi guitarra y yo me dediqué a cantar. El transformador de mi amplificador se fué al garete cuando lo estaba tocando él; mi Fender Bassman 50 modificado que me había comprado diez años antes para conseguir ese sonido "Wayne". Qué irónica es la vida! Fué muy caro arreglarlo, pero me sentí orgulloso de que hubiese sucedido algo así.

En vuestros discos de percibe ese espíritu free-form que tenían MC5 o Stooges.

Lo que nos empujó a formar la banda en un primer momento fué intentar hacer lo que no habíamos hecho en nuestras bandas anteriores. O lo que es lo mismo: echarle pelotas, energía, dinámica... Queríamos ser diferentes pero no demasiado arty, ruidosos pero no en la dirección incorrecta, dinámicos pero no pretenciosos. Colectivamente, teníamos otras influencias aparte de MC5 y los Stooges, del pasado y del presente. Era importante estar al tanto de las bandas contemporáneas. The Meat Puppets eran una de las bandas importantes a finales de los ochenta. Black Flag. Muchas de las bandas de SST. Sub Pop fué inevitablemente importante.

Como me decías, colaborásteis con Wayne Kramer. ¿Cómo fué aquello?

Fué extraño, en el buen sentido. Aprendimos como seis canciones con Wayne en el período de un mes aproximadamente. Mientras tanto, yo había estado saliendo con Wayne, preparamos una fiesta de cumpleaños sorpresa para él una noche y lo emborrachamos con vodka. Lo llevé a casa en coche y tuvo algún problema con su mujer por aquello. Me lo llevé a un concierto de Jazz y vimos a Pharoah Sanders. Luego me dijo que su mujer le había dicho que no volviese a salir conmigo. Fué muy divertido (risas). Me enteré de que iba a formar parte de la banda de Wayne para su gira europea en 1994. Desafortunadamente, de todo aquello sólo salió un gran festival en Rennes, Francia. Pero, coño, no podía quejarme. ¿Cuántas veces tiene uno la oportunidad de pasear bajo la lluvia en Francia con uno de tus héroes de la guitarra, buscando un buen concierto de Jazz en el que tomarse un whiskey?

Trabajaste con otra leyenda, Jim Dickinson, en Hold Your Tongue vuestro disco más tranquilo. ¿Influenció Jim en eso? ¿Cómo fué trabajar con él?

Es divertido que lo hayas llamado nuestro disco más tranquilo. Ese disco era más reposado porque lo escribí durante un divorcio, me bebí litros de vodka y tomaba valium durante la creación del disco y, sí, porque Jim Dickinson hizo un gran esfuerzo durante la grabación para desacelerarnos y conseguir un cierto "groove" en la banda, algo que ciertamente consiguió. Dickinson es capaz de explorar en lo más profundo de las tripas de una banda y sacar fuera las emociones. Através de eso consigue un resultado único. Para las sesiones de Hold Your Tongue nos llevó a New Orleans donde, como él decía, "el aire es más espeso y el sonido se mueve más rápido", lo que permitía unos tonos de bajo más profundos (un concepto debatible para el oido humano, pero una realidad indescutible físicamente hablando). De todas formas, ese concepto establece una nueva disposición en el estudio. Antes de aquello, en Diciembre del 95, le conocimos en Memphis en mitad de una gira, con la intención de grabar una maqueta. Llevaba con él varios talismanes, incluido un pin del Trout Mask Replica... voodoo positivo!. Es una buena persona. Lo que tienes que comprender sobre Jim es que realmente sabe lo que hace técnicamente y gracias a eso puede conseguir espiritualidad en la música, pero no de una forma hippie. Su idea de la música es un perfecto equilibrio entre técnica y emoción. Sin emoción, ¿qué es la música? ¿Muzak? Sin técnica, ¿qué es la música? ¿Esa repetición del Punk Rock? Bueno, esa es otra historia...

¿Cómo se siente uno cuando pasan los años, los discos, las giras... y no consigue el reconocimiento generalizado?

El reconocimiento generalizado... hmmm. Creo que fué una bendición (sólo puedo decir esto porque estoy muy feliz conmigo mismo en este momento). Es algo complicado. Todos esos "qué pasaría si..."... (risas). Tuvimos una suerte terrible con las giras internacionales. Eso fué lo peor. Todavía no me creo que no fuésemos nunca a Europa! No deberíamos haber firmado nunca con Interscope, caimos al vacío casi instantaneamente. A pesar de que teníamos total libertad artística, perdimos todo lo que habíamos acumulado con nuestras publicaciones en sellos pequeños y nuestras giras. Ya sabes, hacia el final había una sensación de buen rollo, al menos desde mi punto de vista. Yo comenzaba a estar un poco disgustado con la forma que estaba tomando la música Rock y la cultura Pop en USA, todo estaba creciendo de una forma más homogénea. Recuerdo que en nuestra última gira en 1997 me sorprendió lo fácil que había sido conseguirlo todo y la falta de espontaneidad. Solía bromear con que el Departamento De Transportes del Gobierno acabaría pavimentando autopistas caras en exclusiva para las bandas en gira. Todo se volvió tan normal y seguro. Big Money America. Big Boring America. Después de que Rob Walther, nuestro bajista, dejase la banda, parecía el momento perfecto para dejarlo, así que lo hicimos. Un último punto: tocamos montones de conciertos grandes girando con Mudhoney o L7 y después de algunas canciones o de algunos conciertos nos encontrábamos con el público estupefacto, mil personas con la boca abierta, mirándonos como pensando "¿qué coño es esto?". Era tan divertido... eso nos daba mucha más energía.

Personalmente, has estado tocando en el circuito underground durante más de quince años. ¿Cuáles son tus motivaciones para seguir publicando nuevo material?

Hace veinte años luchaba contra la necesidad de crear arte visual y música. Clawhammer llegó a mi vida y por una temporada opté por la música. Ahora, en 2004, he plantado tantas semillas musicales en mi pasado que parece que comienzan a fructificar ahora. He trabajado duro intentado dominar el arte de componer canciones. Y también he trabajado duro para ser un tío normal.

He leido en muchas ocasiones que Clawhammer eran una gran banda de directo que nunca conseguieron grabar un disco a la altura de sus actuaciones. ¿Érais tan diferentes en directo?

Creíamos firmemente en desarrollar un concierto salvaje y ruidoso. He escuchado montones de grabaciones con sonido chapucero. Existe un pirata en el Trees de Dallas en 1994 que suena lo suficientemente bien como para que Rudek Records vaya a publicarlo. El técnico de sonido que nos llevamos en esa gira era el ingeniero de algunos de nuestros discos. Sabía exactamente lo que queríamos para cada canción. También sabía que queríamos sonar alto. Sonamos muy alto esa noche. Antes del concierto nos pusimos hasta arriba de comida mexicana y en el momento de subir al escenario estábamos llenos, a punto del vómito. No podíamos movernos como era habitual, así que el concierto fué muy parado. Quizás fué un concierto relativamente aburrido en lo visual, pero en cinta suena perfecto. Además, había sólo cuatro personas en la audiencia aquella noche.

¿Cuál sería tu definición de un músico con éxito?

Un músico con éxito es aquel que puede mantener un cigarrillo encendido perfectamente colgado de su labio inferior (risas). Uh... en serio... mi definición es aquel que es feliz con lo que hace, pero no tan feliz como para dejar de aprender nuevas ideas y estilos. Alguien que se esfuerza por ser bueno en lo que está haciendo tanto técnica como espiritualmente.

He leido que sueles escribir tus canciones mientras viajas.

Supongo que lo sigo haciendo así. Viajo cada día al menos dos horas desde Long Beach hasta Hollywood para ir a trabajar, así durante los últimoa tres años. He escrito tesoros mientras hacía eso. Tengo una pequeña grabadora bajo el asiento de mi coche y la saco cuando salta alguna idea. Hoy en día paseo mucho, con el sonido de los helicópteros, los coches, los coyotes, perros, perros, perros, las radios de los coches...

Has colaborado con algunas de las bandas del sello In The Red, sin duda uno de los sellos más interesantes del planeta. ¿Cuál es tu opinión sobre ese sello?

In The Red es un gran sello, la historia de un pequeño éxito. La diligencia y determinación de Larry Hardy através de los años ha sido recompensada. Larry ha sido un buen promotor de mi trabajo a lo largo de los años. Me ha contratado para muchos trabajos diferentes. Honestamente, tengo problemas para recordar todas las sesiones que he hecho.

Tocas varios instrumentos. ¿Te sirve cada uno de ellos para expresar diferentes sentimientos o simplemente los utilizas como un medio de expresión sin importar el instrumento que utilices?

Para mí, las emociones musicales proceden del corazón y del alma, el instrumento que utilices no debería cambiar esa expresión. No obstante existen diferentes aproximaciones estilísticas. El saxofón y la voz están en un mismo plano para mí, mientras que la guitarra y el piano están en otro diferente. Pero esto es simplemente una cuestión técnica, no expresiva. Supongo que la razón es tan simple como que con la voz y los instrumentos de viento estás trabajando sobre una nota mientras que la guitarra y el piano envuelven un montón de acordes. Por ejemplo el kazoo y la flauta... es una historia completamente diferente.

Supongo que tu primer disco en solitario, Sour Suite, impactaría a los seguidores de Clawhammer. ¿Cómo lo recibieron?

Yeah, de alguna manera impactó a muchos viejos fans de Clawhammer. Pero también hubía cierta intención por mi parte. Iconoclastia! Derribar las barreras! Incluso conmigo mismo. Antes de Sour Suite y después de Clawhammer no hice nada más que algún material en solitario utilizando únicamente guitarra clásica y un aparato hecho por mí al que llamé Zephyrphone... De todas formas, los fans de Clawhammer que conocía del área de Los Angeles ya esperaban algo diferente.

Una canción como May The Road Sing With You suena cercana a Bryan Ferry y de hecho he visto por ahí que se te compara con él en varias reseñas del disco.

EStaba tomando esa dirección, es cierto. Cuando una canción toma un camino, tienes que dejarla fluir. En realidad me gustan mucho los primeros cinco discos de Roxy Music. Después de esos discos la verdad es que no me gusta nada de Roxy Music.

Se aprecian también ciertas influencias de Eno.

Amo a Eno. Pero puede pasar un largo período de tiempo sin que me preocupe por su material. Depende. Es divertido mezclar tus propias ideas con influencias de lo más variopinto, de Eno a Merle Haggard.

Escuchando tus dos discos con los Amadams, me dá la sensación de que el primero es como una toma de contacto con un nuevo estilo que ya desarrollas de forma más certera en el segundo.

Es una buena apreciación. En Iron Nails decidí que era hora de aflojarse el cinturón de nuevo. El primero es mucho más disciplinado. De hecho, había canciones que no había incluido en Sour Suite y que terminaron siendo regrabadas para Iron Nails. Y existen algunas maquetas realmente buenas que hice en 1999 y 2000 que incluyen canciones similares y que tengo que publicar todavía. Ya tengo un par de discos llenos de material esperando a que alguien me suelte la pasta para entrar en el estudio. Uno de ellos es como una continuación de Iron Nails, más loco y extraño. El otro es todavía un secreto.

Iron Nails Run In está cercana a Kim Salmon o Gallon Drunk.

Ok. Tendré que investigar en mi caja de cassettes cuando llegue a casa para contestarte... No he escuchado a Kim Salmon en años...

Vuelves a versionear a los Residents en este disco.

Cuando me interesé por la música culta y extraña, cuando era un adolescente, The Residents eran uno de mis favoritos. Acababan de publicar Duck Stab y de hecho uno de los primeros discos que me compré fué Third Reich And Roll. Me desconcertaban y por eso me gustaban. Lo mismo me ocurría con Captain Beefheart. Trout Mask Replica fué uno de los primeros discos que tuve, me lo regaló mi hermano que tenía dos copias. Supongo que haber crecido con Spike Jones And The City Slickers me ayudó a conformar una extraña paleta musical.

Por lo que me cuentas, supongo que te gustará experimentar todo lo posible cuando entras en el estudio.

Si, por supuesto. Tanto cuando yo tengo el control como cuando no lo tengo. Cuando tengo que compartir el control todo se vuelve más complicado. Todas esas ideas sobre arreglos, ejecución, letras... es casi imposible de trasladar al lenguaje humano. Yo gasto innumerables horas preparando un disco, lleno la casa de papeles llenos de notas, de grabadoras e instrumentos, mi cama llena de cosas, sobre mi cama, bajo mi cama, en la mesa de la cocina, en el baño (risas). Mi casa se convierte en un espacio inhabitable cuando estoy componiendo un disco. Lo bueno que tiene trabajar con Mike McHugh (que ha co-producido Sour Suite y Iron Nails) es que está chifaldo y es un absoluto genio. Reconoce y le gusta la espontaneidad y sabe exactamente cuando debe poner un micrófono (a menudo hecho por él mismo) delante de mí y poner la cinta a grabar.

Cuando hago alguna sesión y el jefe es otra persona, es más fácil y divertido. Lo hago a menudo... principalmente con el saxo.

No puedo terminar la entrevista sin pedirte que me cuentes ese extraño incidente con los Stones.

Oh, tío. Fué otro de esos extraños momentos en mi vida, como el momento Devo. Te lo cuento: una mañana en el verano de 2002 escribí una canción, un simple vals country cuya primera línea decía "por favor, podría alguien tirar del cable de los Rolling Stones"... (risas)... Incuí esa canción en la lista de canciones de un disco en el que estaba trabajando y que quería titular The Doubting Waltzes. Pasó el tiempo. Una mañana leí que los Stones iban a tocar en Los Angeles en el Wiltern Theatre. Ese viejo teatro había sido comprado por el monstruo capitalista Clear Channel. Soy un iconoclasta sin remedio, así que decidí pedir un poco de dinero y distribuir copias gratuitas de esa canción con una portada a todo color de una tía con sombrero de cowboy y un incipiente escote. Repartí como ochocientas copias entre los excitados fans de los Stones después del concierto, incluidos a sus propios pipas. En la contraportada había puesto la dirección de mi web: http://www.jonwahl.com/ en la que había subido un manifiesto en el que explicaba por qué los Stones no deberían seguir existiendo. La gente comenzó a enviarme respuestas furiosas. Envié la cinta junto con las respuestas a la prensa y la radio, pero me ignoraron completamente. No sirvió de nada, pero me alegro de haberlo hecho y volvería a hacerlo.

¿Qué estás escibiendo hoy en día?

Estoy intentando conseguir un nivel técnico suficiente para incluir extrañas fugas en mis canciones. Es duro. He estado estudiando piano clásico y teoría musical en la escuela comunitaria aquí en Los Angeles. Lo estoy disfrutando obsesivamente. Estoy estudiando al extraño Bela Bartok en el piano para poder pasarlo a la guitarra. Y estoy realmente metido en Funkadelic de nuevo. Constantemente estoy atravesando diferentes fases. La pasada primavera casi consigo un concierto como saxofonista en un grupo de Gospel. Tuve que qprenderme todas sus canciones y en ese proceso aprendí muchas cosas sobre ese género y su forma de escribir canciones. Hmmmm. Después de leer un gran libro sobre las plagas de langostas en Rocky Mountain hace 150 años, escribí una canción sobre langostas. Así que puede que mi nuevo material sea Gospel, Funk, Clásico, Barroco, Folk húngaro, música sobre langostas... Qué más dá!!!

Todas las fotos robadas a varias páginas:

1. Jon Wahl en la época de Clawhammer.

2. Clawhammer: Jon, Chris, Rob, Rick

3. Foto promocional Clawhammer en Sympathy For The Records Industry.

4. Jon Wahl & The Amadams.

5. Jon Wahl en pleno aseo matutino.

Videos:

CLAWHAMMER- Queen's Lead Helmet: http://www.youtube.com/watch?v=msfKru5jsaE

CLAWHAMMER- William Tell: http://www.youtube.com/watch?v=EWXxiDVqDwo&feature=related

JON WAHL: http://www.youtube.com/watch?v=p0d-wSaGuTg&feature=related

El manifiesto stoniano:

WHO ARE THE ROLLING STONES?
Chances are, you’re reading this right now because you got to this website by way of a little freebie CD called “Homage to the Stones” which was politely handed to you while you were waiting in line to see the Rolling Stones at the Wiltern Theater in Los Angeles, California, November 4th, 2002. And, chances are, if you were waiting in that line, you spent hundreds, if not a few thousand dollars to cram your sorry ass into that theater to see this “rock ‘n roll event of the new century!” even though truer events were, and are, going on, ignored, around the corner and directly under your bored and blasé chins!
“Homage to the Stones (and other fancy rockers)” is a dedication to the “music industry” right now, which is comparable to that of, say, a toilet manufacturer. An industry that is seemingly over-run by CEO’s that don’t know a song from an accounting program; A&R geeks that don’t know truly inspired music from a pocket-full of backstage passes; radio moguls who “forgot” that payola is illegal.
Both of these tunes on this little freebie were tunes I’d written about a year and a half prior to this “corporate gig” and I just couldn’t maintain myself when given the chance to be the flea biting the elephant. That big fat corporate elephant called the Rolling Stones, sponsored by CLEAR CHANNEL and all its unbridled laissez-faire glory.
You see, Rock ‘n Roll was once unbridled and unpredictable. It got quite popular but remained unbridled and unpredictable and soon a slew of good freaks controlled this new sub-culture and profited, but so did unbridled and unpredictable music. All was relatively good. But, as years passed and music technology and money-managing processes matured, the predictability essence soon became a bane to the new banal “music industry” and, voila!, the modern world of boring but very popular music!
Meanwhile: where the hell is the radio these days? Do they not feel any pangs of consciousness over this present state of crap?!!! And what the hell’s a DJ any more? I know, a programmed robot with a good voice and a fat CLEAR CHANNEL paycheck indeed.
And check this out: you are the populace; they are the usurpers; their medium is music and the usurpers are laughing all the way to your wallet. In their eyes you’re nothing but a healthy bloated punching bag and they just sit around you, smoking their fat cigars, taking blasé swings at you between their chuckles and swigs of imported cognac while you get blacker and bluer and number, dollar by dollar.
What do you do? What the hell do you do?!! Let music, pop music, rock ‘n roll (or whatever the heck you call it these days!) roll over the modern and dumbfounded populace like a massive Suburban Utility Steamroller, garnished in corporate logos, like it’s been doing for that past decade?
NO!
I recall a good friend of mine in high school back in 1980 donning a Rolling Stones t-shirt, which he’d altered in indelible black ink with two simple words and a question mark to make it read “who are the Rolling Stones?” It really meant a lot back then because, indeed and undoubtedly, they had paved their last road years prior to 1980. But boy does that have unfathomably deep meaning now in 2002. I sure wish I owned that shirt right now.
And indeed, WHO ARE THE ROLLING STONES? Dead music for a dead populace that just eats what’s put in front of it; plain and simple.
The Rolling Stones represent one thing now and that’s the true essence of maximizing the almighty buck, or the British pound, or any other unfortunate currency on this new modern planet of ours.
Hell, if true talent, vivaciousness and finesse were an ocean, then this godforsaken music industry has built a massive breakwater far out beyond the horizon to keep the beaches balmy and pleasant, twenty-four /seven. A beach genuinely safe so these fat corporate men can sprawl the opulent and mundane populace across the sands, with all their mighty dollars, to enjoy the old farts of yesterday perform without making any real waves. And for the little kids on this pleasant beach resort? Well, have you ever heard of the safe and phony Limp Bizkit or Korn or Creed? Bland facsimiles of bland facsimiles before them; pillars of stupidity and economic prosperity.
The list goes on and on, duller and duller, dollar for dollar, logo by logo.
So, who the Rolling Stones? I dunno. They died before my time.

Jon Fucking Wahl, a musician.

THE DICTATORS: Al Habla Con Mr Andy Shernoff

(Entrevista publicada en el webzine IPUNKROCK en 2001 -creo recordar-)

La primera pregunta es obligatoria; hace muy poco que todos nos sobrecogimos ante la noticia de la muerte de Joey Ramone, al que tú estabas muy unido. ¿Cómo recibiste la noticia y cómo fue tu reacción ante ésta?

Joey era uno de mis mejores amigos, así que estuve en contacto con él durante todo el tiempo que estuvo en el hospital. Se fue deteriorando lentamente, así que el 15 de Abril tenía planeado ir a visitarle para despedirme por última vez. A la una de la tarde recibí una llamada de su hermano. Me dijo que se estaba desvaneciendo y que debía darme prisa en llegar al hospital inmediatamente. Llegué justo a tiempo para decirle adiós. Fue algo muy especial, un momento surrealista, su hermano puso esa canción de U2, In A Little While, y unos instantes después murió rodeado de su familia y unos pocos amigos. Las imágenes y memorias de su muerte estarán conmigo para siempre.

“Mi opinión personal es que el rock and roll no puede ser salvado. Es una forma de música cuya cumbre artística se produjo en los 60´s y 70´s y en cuanto a negocio en los 80´s y 90´s. Nunca podrá volver artística y creativamente a sus días de gloria. Yo creo que nuestro trabajo es mantener esto vivo y dar a la gente de hoy una muestra de la excitación del rock and roll auténtico.”
(Andy Shernoff).

En estos momentos te encuentras en el estudio grabando el nuevo disco. ¿Cómo están transcurriendo las sesiones? El disco sale a la calle en Septiembre, no?

La música está ya completa… estamos trabajando en la portada y esperamos que se publique en Septiembre.

Creo que el disco lo publicará Norton. Miriam siempre se ha declarado una gran fan del grupo…

Miriam ha sido una gran amiga y fan pero no tenemos planes de publicar el cd en Norton Records.

Centrándonos en el cd, algunas de las canciones son bien conocidas por vuestros fans porque han sido publicadas en singles. ¿Cómo es el material nuevo?

Hemos estado grabando material lentamente los últimos tres años, así que algunas de las canciones son familiares para los fans por los singles que hemos publicado y los conciertos. Hemos tenido la oportunidad de probar algunas de las nuevas canciones con nuestras audiencias y creemos que la mayoría de ellas serán muy excitantes en directo.

He leído y desleído que Scott “Top Ten” Kempner ya no está en el line-up actual…

No es cierto… Scott está todavía en la banda.

Hace un tiempo has sido entrevistado por Julian Temple para el film The Filthy And The Fury, la película sobre los Sex Pistols. Mucha gente cree que si no hubiesen existido los Dictators, difícilmente lo hubiesen hecho los Sex Pistols y todas las bandas punk inglesas.

Yo creo que el rock and roll a finales de los 70´s había madurado hacia una revolución. La música había perdido el norte. Era pretenciosa y seria, la virtuosidad y la técnica se habían hecho más importantes que las buenas canciones. Básicamente, la diversión se había esfumado. Había un gran vacío que tenía que llenarse. En 1975 fuimos la primera banda que publicaba un disco y sin duda eso influenció a otra gente, incluyendo a los Ramones y eso llevó a que el primer disco de los Ramones definiese y unificase realmente todo el movimiento… Personalmente, creo que bandas como los Ramones y los Sex Pistols era inevitable que existiesen, con o sin los Dictators.

¿Qué me puedes contar de la película de Temple?

Lo creas o no, nunca he visto la película.

Tu primera banda fue Grand Funk Salinsky. ¿Tiene algo que ver el nombre con Grand Funk Railroad?

Veo que has estado investigando… Mi primera banda fue en realidad The Dictators. Grand Funk Salinsky no era una banda, era una banda de broma que tenía con algunos amigos. Realmente nunca llegamos a editar nada ni siquiera a tocar en directo.

Creo que compusiste Two Tub Man por entonces, no?

Two Tub Man fué la primera canción que escribí en mi vida y la escribí en ese periodo, en los primeros días de los Dictators.

¿Cómo te marcó el vivir en el Bronx a principios de los 70´s?

Crecí en Queens, NYC, no en el Bronx, aunque viví en el Bronx por un tiempo a finales de los 70´s. En aquella época, la tasa de criminalidad era la más alta que se haya producido, así que tenías que tener los sentidos alerta para sobrevivir.

Cuéntame algo de The Out Of It House…

Wow, realmente has estado investigando… The Out Of It House era una casa cerca de la escuela a la que iba que estaba llena de colgados que comenzaban a convertirse en camellos. Había ua banda en la casa que se llamaban Total Crudd (con la que colaboraba un jovencito Ross The Boss) y tocaban en unas fiestas salvajes que duraban toda la noche… Si alguna vez has visto la película Animal House, aquella casa me recuerda a la salvaje casa de la Fraternidad en la que vivía John Belushi.

¿No te sentías fuera de lugar en 1973-74, en medio de todo el movimiento Glitter y disco? Al parecer Joey y los demás Ramones estaban metidos de lleno en el movimiento glitter…

Siempre me he sentido fuera de lugar, incluso hoy… realmente la única música que me gustaba de aquella época era la música glitter… Bowie, T-Rex, Slade, incluso Iggy Pop era Glam. Buenas canciones y puestas en escena excitantes… Nosotros sabíamos que íbamos a parecer ridículos vestidos de satén y con botas de plataforma, así que decidimos vestir las mismas ropas en el escenario que las que vestíamos en la calle: cazadoras de cuero, vaqueros, camisetas y zapatillas Converse… y es cierto que Joey y los demás Ramones se vestían al estilo glitter por entonces. Se pasaron a las cazadoras de cuero cuando nos vieron a nosotros usándolas.

Fuisteis invitados por los Stranglers a girar por Inglaterra cuando los Sex Pistols publicaron su primer disco. ¿Cómo era la escena punk inglesa cuando desembarcasteis allí?

Muy excitante… en comparación con el pequeño tamaño y poca población de Inglaterra; el punk rock tuvo un impacto más fuerte en su cultura que en la de los USA. Por encima de la música, afectó al arte, la moda y la política con una energía que podías sentir en las calles. Recuerdo mi primera noche en Londres en 1977 yendo a ver a Sham 69 en el Marquee. El club estaba lleno de jóvenes sudorosos, todo el mundo haciendo pogo y escupiendo a la banda como símbolo de afecto… No era así cómo lo hacíamos en New York. El punk rock inglés era música de la clase obrera mientras que la versión americana interesaba más a la clase media y los jóvenes “arty”.

¿Qué grupos ingleses te gustaban de aquella oleada?

En aquellos días me gustaban los Sex Pistols, The Clash, The Buzzcocks, Generation X y algunos más oscuros como The Boys y The Barracudas.

Volviendo a la película sobre los Sex Pistols, Richard Hell es también entrevistado. Yo adoro a los Voidoids y a Richard Quine, uno de los guitarristas más infravalorados según mi opinión. ¿Estás de acuerdo?

No exactamente.

Esta es una pregunta que suelo hacer a todas las bandas que entrevisto para el fanzine: ¿cuál es tu opinión sobre Johnny Thunders?

Johnny era un tío con mucho estilo, carisma y actitud. Era una gran rock star. Desafortunadamente le faltó la fuerza para luchar contra sus demonios. Fue una estrella fugaz que ardió demasiado deprisa.

En Enero tocasteis en el 25 Aniversario de la revista Punk Magazine. ¿Es cierto que el nombre de la revista lo pillaron de una de las canciones de vuestro primer disco, Weekend?

Recientemente le pregunté a John Holmstrom, el editor de Punk, sobre esto y me dijo que era una combinación de Weekend, la canción de los Dictators y Judy Is A Punk, la canción de los Ramones, lo que lo inspiró para llamar a su revista Punk.

¿Crees que es un tópico decir que el Punk nació para dar respuesta al Rock aburrido y monótono que se facturaba en los 70´s con bandas como los Eagles, E,L&P...? ¿Crees que esa es la razón principal?

Todo avanza en círculos… En aquella época, el rock comenzó a ser pretencioso, grandioso y egocéntrico. El Punk fue una reacción natural en contra de todo aquel sinsentido, un regreso a la música simple, sexy y divertida.

Hablando de Punk Magazine… tú mismo tuviste tu propio fanzine, ¿qué me puedes contar sobre esto? ¿Qué tipo de bandas y material tratabas en él?

Tenía un fanzine llamado The Teenage Wasteland Gazette… en realidad era una revista de humor sobre la cultura Pop. Publicaba artículos sobre hamburguesas, comics, alcohol, así como otros sobre música. La gran diferencia era que escribía artículos sobre bandas que no existían o bien escribía artículos sarcásticos haciendo bromas sobre las bandas que no me gustaban.

Comenzaste como crítico de rock para terminar como músico de rock. Yo siempre he creído que la mayoría, por no decir todos de los críticos de rock son músicos frustrados, no crees?

De acuerdo en que todos los críticos de rock son músicos frustrados… ¿Qué preferirías hacer, escribir sobre música o tocar música? Yo creo que ser un músico de rock es el trabajo definitivo… todo el mundo quiere ese estilo de vida. Mi mayor problema con los críticos de rock es que por lo general consiguen la música gratis gracias a las copias promocionales, algo que les da una perspectiva diferente a la de los fans que tienen que pagar por su música.

Pero a pesar de todo, en septiembre del ´75 dejaste la banda y volviste a convertirte en crítico de rock. ¿En qué revistas colaborabas?

Solía escribir para Creem, Fusion y la revista Oui… todas ya desaparecidas.

Cuando la banda resucitó en el ´76 ya no formabas parte de su line-up. ¿Por qué decidiste convertirte únicamente en compositor de las canciones?

Había muchas desavenencias en la banda por entonces… pero en realidad sólo me perdí unos cuantos conciertos. No decidí ser el único compositor, ERA el único compositor… Tenía una visión de la dirección que debía llevar la banda y todo el mundo creía en ella.

¿Alguna vez has tenido algún problema con alguno de los otros miembros de la banda por ser el compositor de todos los temas?

Cualquiera es libre de contribuir con canciones, aunque mi estilo de componer ha definido a la banda. Scott ha contribuido con canciones en el pasado y he co-escrito una canción con Ross para el nuevo cd.

Si no me equivoco, volviste a la banda más tarde bajo la presión de Pearlman y Krugman. ¿es eso cierto?
No es cierto.

Ya que hablamos de Sandy Pearlman, ¿es cierto que fue él quien puso el nombre a la banda?

De nuevo, no es cierto… Éramos The Dictators mucho antes de que Pearlman entrase en escena.

En una de las canciones de Go Girl Crazy, Two Tub Man, escribiste: I Think Lou Reed Is A Creep. ¿Todavía lo crees?

En realidad soy un gran fan de Lou Reed… Por entonces creía que lo más punk era hacer coñas sobre Lou Reed, el tío que había definido la actitud punk en su tiempo y realmente es una línea que la gente recuerda… pero para responder a tu pregunta directamente, sí, creo que es un poco creepy.

¿Es Two Tub Man una declaración de principios de los Dictators?

Podría ser el manifiesto de los Dictators en 1975… no representa a los Dictators en el 2001.

En el '76 y '77 teloneásteis a bandas de Heavy Metal y Hard Rock como Uriah Heep, ZZ Top… ¿Crees que su sonido influenció en el vuestro?

No demasiado!!!

Vuestro primer concierto fue junto a los Stooges y Blue Oyster Cult, no? Cómo fue aquello?

Es cierto. Fue un concierto en el Prince Community College cerca de Washington DC. Éramos sólo una pandilla de niñatos que apenas sabíamos como tocar. Mis recuerdos son que la gente estaba allí para ver a Blue Oyster Cult. A nosotros nos ignoraban y odiaban a los Stooges.

Siempre te has declarado fan de The Who. A parte de ellos, ¿qué otras bandas te influenciaron cuando eras un niño?

De chico amaba a The Who, The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones y The Beach Boys.

Me gustaría hablar sobre Richard Meltzer. ¿Cómo le conociste?

Teníamos algunos amigos comunes, así que le hice llegar una copia de mi fanzine Teenage Wasteland Gazette. Oí decir que le había gustado, así que terminamos haciéndonos amigos… se ha mudado de New York hace como 20 años, así que no sé demasiado de él en la actualidad.

¿Está Borneo Jimmy dedicada a él?

Borneo Jimmy es sobre él.

Otro gran escritor, Lester Bangs, escribió para tu fanzine. Personalmente es uno de mis favoritos. ¿Cómo era él y cómo le conociste?

Conocí a Lester a través de Metzer. Era todo un carácter, un tío muy grande y descoordinado, con una inteligencia muy aguda. Me dio trabajo escribiendo para la revista Creem y de vez en cuando se trasladaba a New York donde a menudo nos colocábamos y bebíamos juntos.

Hace poco pude ver una foto de Handsome Dick Manitoba y Jayne County cantando juntos sobre el mismo escenario. ¿Cuándo ocurrió eso?

Fue hace cosa de un año en Don Hill´s, un night club local que tiene una fiesta rock&roll de drag queens todos los viernes por la noche. Fue una forma de publicitar el fín de su enemistad.

Supongo que estarás cansado de hablar del “affair Jayne County”, pero me gustaría saber tu opinión sobre la repercusión que aquello tuvo en el futuro de la banda… ¿crees que tuvo que ver eso en que otras bandas se llevasen la fama y el reconocimiento, cuando vosotros teníais mejores canciones y mejor directo?

No estoy seguro realmente de por qué nunca tuvimos el éxito de otras bandas. No creo que fuésemos fácilmente etiquetables y nuestros discos en realidad no sonaban tan bien como otros que se publicaron en aquel momento, pero todavía estamos en esto mientras otros han estado yendo y viniendo. Nuestra recompensa es que podemos continuar haciendo música.

¿Cuándo vais a reeditar Manifest Destiny, el más desconocido de vuestros discos?

Reeditaremos Manifest Destiny después de que el nuevo cd haya sido publicado.

Hablando con un amigo hace unas semanas sobre canciones de los 90´s, acabamos decidiendo que Who Will Save Rock & Roll es la mejor canción de los 90´s. ¿Quién salvará el rock&roll?

Me adula saber que tu amigo y tú creéis que Who Will Save Rock&Roll es la mejor canción de los 90´s. Mi opinión personal es que el rock and roll no puede ser salvado. Es una forma de música cuya cumbre artística se produjo en los 60´s y 70´s y en cuanto a negocio en los 80´s y 90´s. Nunca podrá volver artística y creativamente a sus días de gloria. Yo creo que nuestro trabajo es mantener esto vivo y dar a la gente de hoy una muestra de la excitación del rock and roll auténtico.

El sello español Roto Records publicó dos álbumes tributo a los Dictators hace unos años. ¿Cómo te sientes cuando un montón de bandas de todo el planeta reconocen haber comenzado a hacer música tocando tus canciones?

I love it… totalmente adulado.

¿Cuál es la historia exacta de Sixteen Forever? Conocimos esa canción porque los Nomads la grabaron…

16 Forever la grabamos en 1978 pero nunca se finalizó ni mezcló… De algún modo The Nomads consiguieron una copia de la mezcla inacabada y en bruto y les gustó lo suficiente como para grabarla… de nuevo muy adulador.

Cambiemos de tema...¿Cuál es tu opinión sobre las drogas? ¿Cómo han tratado a la banda?

Siempre he preferido el vino a las drogas, pero hubo algunos miembros de la banda a los que les gustaban las drogas duras. Eso tuvo su efecto en la banda en el pasado, pero nunca más.

Habeis cambiado de batería muchas veces… muy a lo Spinal Tap. ¿Qué pasa con los baterías en el rock&roll?

Es una cosa extraña y supernatural… probablemente tiene algo que ver con todos esos golpes… ojalá lo supiera… debería añadir que estamos muy felices con nuestro batería actual, JP “Thunderbolt” Patterson.

¿Cuál es tu opinión sobre las bandas que han ido formando los demás Dictators: The Del Lords, Manowar, Spinatras...?

Todas buenas bandas…

En Next Big Thing escribiste: I just wanna live a rich live and I wanna die poor… ¿Todavía crees esto? Muy opuesto a todo el movimiento Grunge. Por cierto, ¿cuál es tu opinión sobre aquella escena?

Todavía creo que la vida y el dinero están para ser disfrutados en el presente, así que aquellas letras todavía tienen significado para mí en el presente… Creo que el movimiento Grunge fue un poco pretencioso y falso. Esos tíos soñando con ser rock stars y cuando al fín consiguen el éxito comprenden y se quejan de lo miserable que han llegado a ser sus vidas. Esa llamada no era para mí...Tampoco me gusta que mis rock stars tengan la pinta de un leñador.

Última pregunta: ¿cuál es tu opinión sobre el libro Please, Kill Me. ¿Crees que es una reflexión verdadera sobre la escena que viviste?

La mayoría de las historias fueron verdaderas, pero es un libro sobre el sexo, las drogas y la violencia en la escena… nada sobre la música… puedes leer ese libro y no tener idea de cómo sonaba ninguna de las bandas. La escena en realidad SE BASABA en la música. Había un montón de personalidades interesantes, pero todo el mundo estaba inspirado en crear buena música. También era una época en la que el negocio musical era pequeño, antes de que las grandes corporaciones internacionales comprasen a todas las pequeñas e innovadoras compañías discográficas. También era una época más inocente, no existía el SIDA y el uso de drogas no era ningún estigma… en otras palabras, había mucha más diversión.

Bueno, la última es una cuestión personal: ¿existe Loyola?

No es acerca de nadie en particular, pero estaba inspirada en alguna gente real.

Todas las fotos de la pagina oficial de los DICTATORS:

1. Foto promocional de los 70's. Fotografo desconocido.

2. Foto promocional. Fotografo: Marieken Cochius

3. Manitoba & Joey Ramone. Fotografo: Steve Bonge

4. Jovenes Dictadores. Fotografo: Evet Roberts

5. The Dictators en 1978. Fotografo desconocido.

Videos relacionados:

Search & Destroy: http://www.youtube.com/watch?v=E3XyJ0VjAw4

Avenue A: http://www.youtube.com/watch?v=l0stst8aFSM

The Next Big Thing: http://www.youtube.com/watch?v=5GlVwxeGqMA&feature=related

BOB BERT: Cargado De Credibilidad Callejera.

(Entrevista publicada en la revista RUTA 66, Junio de 2008)

Muy pocos personajes del underground americano de las últimas dos décadas pueden presumir de un currículum como el de Bob Bert. Infatigable actor de reparto, capaz de asumir arriesgados papeles principales cuando los guiones no son de su agrado y siempre inquieto instigador en el subsuelo del rock&roll. Su nombre nunca será propuesto para el ridículo Hall Of Fame ni nos encontraremos alguno de los bidones que le servían de timbal colgado en las paredes del Hardrock Café de la esquina, pero si echas un vistazo a los créditos de algunos de los vinilos más interesantes y arriesgados de las últimas dos décadas, ahí te darás de narices contra su peculiar forma de entender la percusión en una banda de rock&roll. Sonic Youth, Pussy Galore, Chrome Cranks, Knoxville Girls, Boss Hog, Bewitched… repasar a fondo su obra durante las últimas semanas ha sido un agridulce reencuentro con una época que parece ya haberse quedado a mil años luz de nosotros pero que conviene consultar para entender buena parte del presente. Ciudadano Bob nos lo cuenta…

La escena de New York a finales de los 70 era una excitante mezcla de bandas de rock&roll como Blondie ó Talking Heads, bandas de Punk Rock, otras de la llamada No Wave y gente metida en el Avant-Garde y la experimentación como Glenn Branca, Philip Glass o Steve Reich. Personajes como tú mismo crecísteis en medio de todo ese caldo de cultivo.
La verdad es que estoy muy agradecido de haber crecido en el momento en el que lo hice, pudiendo experimentar con la era psicodélica de finales de los 60, luego todo el movimiento Glam de pincipios de los 70 y desembocar en el Downtown neoyorkino que has mencionado. Aunque apreciaba a todos esos compositores minimalistas a los que mencionas, tienes que tener en cuenta que estamos hablando de los años 70, yo era un veinteañero y por supuesto prefería el rock&roll.

De hecho tu amor por el rock&roll te llevó a formar tu primera banda, Drunk Driving.
En 1981 me mudé de New York a Hoboken. Durante el día trabajaba con artistas como Andy Warhol en el downtown neoyorkino; de esa forma me pagué las facturas durante todo mi período junto a Sonic Youth y algún tiempo más. Una noche me encontraba en un garito de mala muerte con un puñado de colegas. La banda que actuaba esa noche era un coñazo, así que Peter Missing (guitarrista), Jeff Holiday y yo tomamos al asalto el escenario como una broma, pero ahí nació Drunk Driving. Peter Missing se haría famoso más tarde con la banda Missing Foundation y por sus diseños avant garde. Si ves un graffitti de una copa de Martini del revés en alguna parte del mundo, probablemente esté firmado por el Mr Missing de esa época. Drunk Driving duramos seis meses y grabamos una maqueta de seis canciones que nuncá vió la luz.

Me consta que eras un personaje muy activo de la escena neoyorkina. ¿Cómo era la ciudad entonces?
Finales de los 70 y principios de los 80 fué una de las etapas más prolíficas tanto en la escena del arte como de la música en el downtown neoyorkino. Yo era miembro de una de las primeras galerías de arte punk de la ciudad, la Soho, a la que petenecían artistas como Jean Michel Basquiat, Joey Ramone o mi futura mujer. Uno podía bajar la calle y ver a Keith Haring garabateando en alguna galería y en el bloque siguiente tenías clubs como el Tier 3 o el Mudd Club en los que a partir de media noche se desarrollaba esa revolución estéticia que fué la No Wave, con bandas como Teenage Jesus And The Jerks, Mars, DNA, Richard Hell And The Voidoids, Contortions, Ramones y muchas más. El paisaje estaba abonado para cualquier artista bohemio que pudiese pagar unos peniques por un apartamento, crear su propio arte y sobrevivir sin la influencia pija de la ciudad. Me considero un afortunado por haber formado parte de todo aquello.

En 1981 te uniste a Sonic Youth, en una época en la que la banda todavía conservaba unas ideas bastante radicales en su posicionamiento. No era extraño leer entrevistas en las que Thurston soltaba joyas como “que se jodan los Beatles! No queremos hacer canciones Pop”.
¿Es cierto eso? Nunca lo había oído. Quizás lo que dijo fué “que se jodan REM” (risas) El Pop está muy bien. Siempre ha estado bien y siempre lo estará.

¿Cuál era tu opinión sobre Sonic Youth antes de unite a ellos? ¿Te habías comprado su primer disco?
Me compré el primer Ep de Sonic Youth cuando salió y me cautivó absolutamente. Les ví en directo como tres veces con su primer batería, Richard Edson. Me encantaba su acercamiento estético a la deconstrucción musical. Cierto que recogían influencias de Rhys Chatham ó Glenn Branca, pero eran capaces de crear su propio sonido y su versión personal del “noise rock”.

Tu entrada en la banda coincidió con sus primeras giras fuera de New York. ¿Cómo era la reacción del público, acostumbrado a un rock&roll más convencional, ante los Sonic Youth más radicales?
Cuando me uní a Sonic Youth, nos embarcamos en un par de giras: una por el Sur y otra por el Medio Oeste. Las llamamos “The Savage Blunder Tours” y nos acompañaban los infames Swans. La reacción de las audiencias era muy variada: conmoción, curiosidad, confusión, gente asustada con los ojos como platos. Todo el mundo esperando más... o menos!! Fué una época increíble.

Esas giras junto a los Swans de Michael Gira son recordadas como las precursoras de las giras independientes por los USA. Vosotros mismos os ocupábais de contratar los conciertos, hacer la promo, planear la gira... supongo que tendrás un montón de anécdotas de aquella época.
Diez músicos sucios enlatados en una furgoneta que apestaba a tabaco (yo era el único que no fumaba). Para no alargarme mucho, te diré que el tiempo que transcurría en la carretera pasaba casi sin darnos cuenta, puños volando entre los miembros de los Swans, siempre mucha diversión. Una noche en el club 40 Watt original en Athens, Mike Gira salta del escenario y comienza a puñetazos con el público que está haciendo pogo. Ah, los buenos tiempos!

Poco más tarde volvísteis a demostrar que érais una banda sin miedo a la aventura cuando os liais en una gira europea que Thurston y Lee Renaldo habían organizado aprovechando su visita al viejo continente como colaboradores de Glenn Branca. En Europa Sonic Youth eran practicamente desconocidos entonces.
Justo antes de esa primera gira europea, volví a la banda e hicimos un concierto que era parte del Speed Trial Festival de New York junto a los Beastie Boys y The Fall, en una pequeña galería de arte. Sonic Youth me preguntaron si me gustaría ir a Europa con ellos y les dije “seguro, siempre y cuando no me cueste ni un penique”. Por supuesto, allá fuí. El público europeo fué extremadamente receptivo a ese nuevo ruido que estábamos esculpiendo. Simplemente, fué como una ruptura y generamos una nueva excitación entre los puristas del rock.

Recuerdo haber leido en alguna parte una gran definición de la No Wave: “es como una orquesta repleta de Pete Townshends”. ¿Cómo lo definirías tú?
La No Wave fué creada por viajeros que viajaban por diferentes caminos, con maletas llenas de aire, cinceles y anzuelos y metas estéticas que derribar, preparados para cincelar nuevas señales en el camino que había sido marcado: GIRA EN LA PRÓXIMA SALIDA. Trataba del presente, no del pasado. La No Wave era anti-música. La vida completa de la No Wave no fué más allá de los tres años y no se le ha dado el suficiente valor artístico. Fué una escena muy pequeña.

Los pimeros Sonic Youth fueron capaces de aunar No Wave y música experimental con Punk Rock y música Pop y el resultado fué un producto más accesible para el consumidor medio que bandas más radicales como Teenage Jesus o Mars. ¿Era algo deliberado?
No. Creo que Sonic Youth siempre han querido ser más accesibles, pero en sus propios términos.

Cuando te uniste a la banda eras todavía un aprendiz de batería.
Todos nosotros estábamos evolucionando a nuestro ritmo. Yo era el Keith Moon de la No wave.

Dá la impresión de que todos teníais una férrea confianza en vosotros mismos.
La confianza conduce a una increíble productividad.

Otra influencia palpable era el primer Hardcore, sobre todo en cuanto a actitud y estética.
Thurston estaba realmente metido en la escena Hardcore, yo simplemente era un aficionado. El Post-Punk y la New Wave eran más apetecibles para mí.

Musicalmente Sonic Youth se abrió hacia sonidos menos académicos.
Obviamente.

Usábais afinaciones nada convencionales, experimentábais con acordes, disonancia... ¿cómo era la vida de un batería detrás de toda esa experimentación?
Las afinaciones convencionales o no afectaban poco a mi forma de tocar. Mi reacción a esa música son los golpes que puedes oir en las canciones.

En su biografía, Thurston comenta que eras un batería demasiado limitado para la banda y por eso te expulsaron; pese a eso volviste a Sonic Youth cuando te llamaron de nuevo para Kill Yr Idols.
Si, fuí reemplazado por Jim Sclavunus durante unos meses. Jim hizo algunos conciertos con ellos y terminó tocando en la mayoría de Confusion Is Sex. Yo continué tocando y cuando regresé a la banda había mejorado mucho, ya podía patear más culos!

Hoy en día algunos baterías te nombran como influencia. ¿Cuáles fueron las tuyas?
Jerry Nolan, Ikue Mori, Moe Tucker, Keith Moon, Charlie Watts, por nombrarte algunos. Ah, también Clem Burke, Max Roach y Elvin Jones.

¿Cuando crees que comenzaste a desarrollar un estilo propio como batería?
El estilo se fué desarrollando conmigo. Una cosa que aprendimos de la No Wave es que el concepto y el camino eran más importantes que la destreza técnica. Yo quería combinar el rock&roll de Jerry Nolan con los golpes tribales de Ikue Mori y los grooves de ESG, todo ello con mi propio estilo.

Mostrásteis algunos cambios en Bad Moon Rising. Cuando pienso en los Sonic Youth de esa época me viene a la mente una banda psicodélica en la tradicción de los Stooges, cruda y oscura.
Has dado en el clavo!!!... Bad Moon Rising era la visión que Sonic Youth tenían del paisaje americano, que finalizaba con Death Valley 69.

Con ese disco firmásteis con Blast First en Inglaterra mientras en los USA seguíais siendo una banda undeground.
Inglaterra tiene más prensa y el efecto fué que gracias a eso conseguimos un reconocimiento mayor en los USA.

¿Cuál fué la verdadera razón de que abandonases Sonic Youth definitivamente?
Podría decirte montones, tras los concietos, tras la giras... Necesitaba aventurarme y completar otras aspiraciones creativas. Nos separamos de forma amistosa y todavía soy buen amigo de todos los miembros de Sonic Youth.

Está claro que tu estilo marcó un período muy definido en Sonic Youth, más experimental y primitivo. Con tu sucesor, Steve Shelley, la banda se volvió más convencional. ¿Te gustaron los “nuevos” Sonic Youth?
Steve Shelley reformó diferentes aspectos del sonido global de Sonic Youth que estaban siendo desarrollados constantemente por Thurston, Kim y Lee. Mis baterías eran más crudas, más pulsantes, eso quizás pudo establecer ese aspecto primitivo al que te estás refiriendo. De todas formas, puedo decirte que me gustó el nuevo toque que les dió Steve desde el primer momento, absolutamente.

Dejemos ya tu etapa sónica. Tu siguiente proyecto fué Bewitched, con el que querías desarrollar nuevas ideas.
Bewitched fué un experimento en el que había estado envuelto siempre. Era un proyecto de estudio con algunas extrañas peformances que se convirtió en proyecto de grabación y directo después de mi paso por Pussy Galore.

Hablando de los Galore, te uniste a la banda cuando se mudaron a New York.
Yo estaba en un club hablando con Kim y Thurston, les comentaba que estaba con el gusanillo de comenzar a tocar la batería de nuevo. Ellos me presentaron a Jon Spencer y Julia Cafritz de Pussy Galore, una banda de Washington DC. Unas noches más tarde Jon se me acercó a la salida del CBGB´s y me dió su nuevo Ep Groovy Hate Fuck que acababa de salir. Le pregunté si necesitaban un batería y me apuntó su teléfono en el disco. Lo escuché al día siguiente y lo llamé. El resto es historia.

Pussy Galore escapaban de la escena Hadcore de Washington, la misma escena que apoyaban Sonic Youth. ¿Cuál era tu opinión sobre esa escena, las bandas straight-edge y demás?
No llegué a relacionarme con todo eso, así que no puedo darte una opinión. Aparte de eso, puedo decirte que Minor Threat eran una buena banda.

He estado buscando Pussy Galore en Allmusic.com y os definen como “destreza limitada, tendencias narcisistas y mitología de culto a las drogas”. ¿Cómo era realmente la banda?
Era un concepto tremendamente brillante del Arte.

Lo que está claro es que se os amaba o se os adiaba, algo poco extraño en una banda que firmaba cosas como “Fuck Ian McKaye And All His Friends”.
Esa canción la compusieron antes de que yo entrase en el grupo, pero probablemente se trataba de un mensaje para molestar a la escena Hardcore de Washington DC de ese momento. Es divertido... la primera vez que toqué con Pussy Galore fué en Washington, Ian McKaye y Henry Rollins estaban entre el público.

¿Cómo era Jon Spencer por entonces?
Un escolar punk. Un semiólogo con una guitarra al máximo volumen.

Vuestras primeras ediciones las hicísteis en formato cassette. ¿Ningún sello se interesaba en vosotros?
Eh? Supongo. Cuando Jon les envió una copia de la cassette de Exile On Main Street a Caroline Records para que lo distribuyesen, nos extendieron un contrato. Publicamos discos con Caroline, Product Ink, Mute, Matador, In The Red...

Ese tributo a los Stones es una deconstrucción de su música.
No. Exile On Main Street fué el primer proyecto que grabé con Pussy Galore. Simplemente fué nuestra reacción a la promesa que hicieron Sonic Youth de que grabarían el album blanco de los Beatles.

¿Cómo era tu kit de batería en esa época?
Mi kit de batería consistía en un bidón de gasolina, un bombo con un cencerro en su parte superior, una caja fabricada con dos platos metálicos enganchados de mala manera en su parte superior, un timbre donado por el legendario Steve Albini, un timbal base, una caja real, platos... Tocaba este kit con una baqueta en mi mano derecha y una barra metálica en la izquierda.

¿Por qué se deshizo la banda?
La banda sufrió varios cambios a lo largo de los años. Hicimos la última gira como cuarteto: Jon Spencer, Neil Hagerty, Kurt Wolf y yo. Luego nos reformamos en trío con Jon, Neil y yo y grabamos nuestro último disco, Historia De La Musica Rock. En ese momento estábamos preparados para viajar a Europa pero Neil se mudó, incomprensiblemente para todos, a San Francisco. El fín. El último concierto de Pussy Galore está documentado en el disco Live In The Red, grabado en el CBGB´s de New York (In The Red Records, todavía disponible).

Existe la leyenda urbana de que Neil Hagerty volvió a la banda a cambio de una Flying V.
Eso no es cierto.

Durante este tiempo mantuviste con vida tu proyecto Bewitched. Usabas a un dj y sonidos pregrabados en tus conciertos. ¿Cómo eran esas actuaciones?
Una bola eléctrica y avant-garde de esplendor caótico. Por primera vez, tomé la posición de líder en una banda. Una extraña posición para un batería.

Con Bewitcheed has teloneado a bandas de antiguos colegas como Sonic Youth o Jon Spencer Blues Explosion. Esas bandas han alcanzado el éxito y pertenecen ya al mainstream, algo que nunca has logrado tú. En una ocasión comentabas que Sonic Youth se habían convertido en una banda normal de rock&roll y eso era la última cosa que querías que ocurriese.
Que se joda el mainstream. Cuando perdimos a nuestro dj y tuvimos que incluir una batería (Sally Barry), nos volvimos demasiado normales para mi gusto así que nos deshicimos, como deberían hacer la mayoría de las bandas. Aún así llegamos a grabar algunas cosas en una vena más experimental.

He estado siguiendo tu carrera todos estos años y nunca te has dormido en los laureles, siempre en movimiento.
El movimiento es la acción principal para un artista. Mis laureles están en lo más alto del cielo.

The Worst Poetry Of 1986-1993 es una recopilación perfecta para que muchos lectores que no han entrado en contacto todavía con Bewitched puedan ponese al día de tu proyecto menos conocido.
Si, tienen toda la información en http://www.myspace.com/bbewitched

Como me decías antes, en Bewitched te has convertido por primera vez en el líder de la banda. Supongo que será como una terapia para ti.
Ser la persona que concibe un proyecto, ya puede ser música o cualquier otra forma de arte, es excitante en su estado más primario. Es un trabajo duro mantener todo esto en movimiento, en una dirección preconcebida. Todo arte es una terapia exhuberante, desde mi punto de vista.

Seguimos avanzando en tu carrera. El siguiente paso fué unirte a los Chrome Cranks.
Peter Aaron y William Weber formaron a los Chrome Cranks en su ciudad, Cincinnati, Ohio. Su primer concierto fué abriendo para Pussy Galore cuando íbamos a disolvernos. Ellos se mudaron a New York y se reformaron con Jerry Teel y un batería. Grabaron un puñado de singles y su primer disco pero su batería no funcionaba, así que se me acercaron. Yo estaba poco convencido en un principio porque sus influencias eran demasiado obvias, pero hicieron un buen trabajo con su sonido.

Yo les tengo por una de las bandas más interesantes e intensas de su época. Aquí en España quizás sean una de las más desconocidas de las que has formado parte.
Tiene gracia porque los Chrome Cranks fueron la única banda con la que giré por España y el público fué muy receptivo.

¿Qué hizo que te quedases en la banda durante seis años? Un largo período tratándose de tí...
Teníamos un montón de ofertas para salir de gira y no podíamos resistirnos. Yo estaba buscando alguna forma de salir de la banda e hice pruebas para los Muffs y las Breeders mientras estaba en los Cranks. Fué un período loco. En 2007 se publicó Diabolical Boogie (singles, rarezas y demos de 1992-1998) en el sello Atavistic. Un cd doble con 3 videos que capturan de verdad lo que eran los Cranks.

¿Podrías definirte como músico?
Siempre a la última y cargado de credibilidad callejera (risas)

El siguiente paso en tu carrera musical fué en el supergrupo underground Knoxville Girls junto a Jerry Teel y Kid Congo Powers. ¿Cómo decidísteis comenzar con eso?
Cuando se deshicieron los Chrome Cranks, Jerry Teel, Jack Martin y yo compusimos algunas canciones en los estudios Funhouse de Jerry en New York. Incluimos en el proyecto al legendario Kid Congo Powers y a Barry London. In The Red Records nos ofreció publicar el disco sin haber escuchado una nota de la música y conseguimos un buen concierto abriendo para Mudhoney (nuestro primer concierto), de esa forma puede decirse que nacieron The Knoxville Girls. Grabamos dos discos y un directo pirata para In The Red, giramos por los USA con Davie Allan & The Arrows e hicimos algunos festivales en Europa.

Knoxville Girls tenían un peculiar sonido, en el que se mezclaba Garage y Country y que parecía más orientado a la simple divesión que tus bandas anteriores.
Nosotros lo apodábamos “No Wave Country”. Por supuesto estaba orientado a la diversión.

Otra banda en la que estuviste inmerso fueron los infravalorados Action Swingers, banda por la que pasaron un montón de músicos.
Ned Hayden es Dios, qué más puedo decirte (risas)

Después de este recorrido por todas tus bandas, llegamos al presente con Int´l Shades y Five Dollar Priest. Si te soy sincero no he podido escuchar nada de ninguna de ellas. Dime con qué me voy a encontrar...
Int´l Shades somos Mark C, Tim Foljahn, Alexa Wilding y yo. Nuestro segundo disco se titula Luv & Terror y se publicará este año por Gifted Children Records de Los Angeles. www.myspace.com/internationalshades.
Five Dollar Priest somos Ron Ward, Norman Westberg, Patrick Holmes, George Porfiris y yo. Tenemos un disco autotitulado y un cd que está a punto de ser publicado este año por el sello Bang! En España. www.myspace.com/fivedollarpriest.

La última cuestión es sobre BB Gun Magazine, la revista en la red de la que te ocupas.
BB Gun era una revista sobre arte y música que comenzó en 1994 y que llevábamos mi mujer Linda Wolfe, que es artista y yo. Publicamos siete números, el último en 2004, el único que todavía está disponible. Todas las actualizaciones están disponibles en nuestra página www.bbgun.org. En estos momentos estamos trabajando en la idea de publicar un libro cuyo concepto será publicar textos y reproducciones visuales, además de una agradable sorpresa para todos los fans de nuestra revista, BB Gun. (www.myspace.com/bbgun_magazine)

Todas las fotos cedidas por Bob Bert:

1. Foto BOB BERT. Gira Europea de Sonic Youth 1982. Fotografo: Carlos Van Hijfte.
2. Foto SONIC YOUTH. Holanda. Gira Europea 1982. Fotografo: ernest Potters.
3. Foto SONIC YOUTH. Sesion de Bad Moon Rising 1985. Fotografo: James Welling.
4. Foto PUSSY GALORE. Londres 1988. Fotografo: Bleddyn Butcher.
5. Foto BOB BERT con PUSSY GALORE. Directo en CBGB's 1987. Fotografo desconocido.
6. Foto KNOXVILLE GIRLS. 1998. Fotografo: Ali Smith.
7. Foto ACTION SWINGERS. Londres 1992. Fotografo: Richard Newton

Videos relacionados:

Sonic Youth: http://youtube.com/watch?v=LJ5cZED6dkA
Pussy Galore: http://youtube.com/watch?v=Q0fikUrtTTQ
Five Dollar Priests: http://youtube.com/watch?v=ymyBB9BKKgc
The Chrome Cranks: http://youtube.com/watch?v=pUDxcqDvo5k
Int'l Shades: http://youtube.com/watch?v=T3BPtWbwPcY